Mise en scène : Cécile Backès
Version scénique : Cécile Backès, Margaux Eskenazi
Assistanat à la mise en scène : Morgane Lory
Scénographie : Raymond Sarti
Dramaturgie : Guillaume Clayssen
Mouvement : Marie Laure Caradec, Aurélie Mouilhade
Lumière : Christian Dubet
Costumes : Camille Pénager
Stagiaire : costumes Déborah Brian
Accessoires : Cerise Guyon
Vidéo : Quentin Vigier
Musique : Joachim Latarjet
Son : Tom Ménigault
Maquillage, coiffure : Catherine Nicolas
Régie générale : Hugo Hamman
Régie plateau : Valentin Dabbadie
Régie son : Julien Lamorille
Régie vidéo : Virginie Premer
Construction : Walter Gonzales – Atelier Triline, Jean-Claude Czarnecka

Avec : Pauline Belle, Jules Churin, Judith Henry, Simon Pineau, Adeline Vesse

Production : Comédie de Béthune – CDN Hauts de France
Coproduction : Théâtre de Namur Centre Culturel régional de Belgique / avec le soutien du Service général de la création artistique Fédération Wallonie Bruxelles (Taxe Shelter) Belgique / avec la participation : du Jeune Théâtre National

Annie Ernaux interroge la jeune fille qu’elle était en 1958, lors de l’été où elle découvrit le corps et le sexe des hommes.
Cécile Backès en propose une adaptation scénique subtile et fascinante qu’interprètent cinq excellents comédiens.
La force de l’écriture d’Annie Ernaux tient à sa capacité à excéder les limites du récit de soi, ajoutant à la finesse de l’analyse psychologique une remarquable acuité sociologique. « La fille de 58 », dont les aventures sentimentales alimentent Mémoire de fille, ressemble à bien des femmes de sa génération, découvrant la jouissance sexuelle dix ans avant que mai 68 la réclame sans entraves. Annie, alors Duchesne (puisque la littérature ne l’a pas encore faite Ernaux), est soumise aux exigences de sa classe et de son époque. La France gaullienne et les petits commerçants provinciaux peuvent supporter que les filles s’abandonnent aux plaisirs de la littérature et aux joies de l’étude mais considèrent d’un fort mauvais œil qu’elles se jettent dans les bras des garçons. Les corps sont, à l’instar des esprits, corsetés et contraints. Les représentantes du deuxième sexe (dont Beauvoir a décrit l’inféodation au désir masculin dix ans avant) ne sont pas encore parvenues à exiger qu’on les considère comme des sujets autonomes. Les plus délurées peinent à assumer d’être un objet érotique possible.

Texte : Mariette Navarro (commande Théâtre de l’Aquarium)
Mise en scène : François Rancillac
Assistante-stagiaire à la mise en scène : Alexandra Maillot
Scénographie : Raymond Sarti
Costumes : Sabine Siegwalt
Lumière : Guillaume Tesson
Son : Tal Agam
Travail chorégraphique : Marion Lévy
Illusion et magie : Benoît Dattez
Maquillage et coiffures : Catherine Saint-Sever
Réalisation des costumes : Séverine Thiébault
Construction du décor : Eric Den Hartog et Mustafa Benyahia,
Peinture du sol : Anaïs Ang assistée de Nathalie Nöel

Avec : Andrea El Azan, Christine Guênon, Yvette Petit, Stéphanie Schwartzbrod, Lymia Vitte.

Production Théâtre de l’Aquarium. Coproduction cie Théâtre sur paroles, Comédie de Béthune – CDN des Hauts-de-France ; Le Bateau Feu – Scène nationale de Dunkerque ; La Ferme de Bel Ebat – Théâtre de Guyancourt.
Avec la participation artistique du Jeune Théâtre National et du Fonds d’Insertion pour Jeunes Comédiens de l’ESAD-PSPBB.
Avec le soutien de la Région Île-de-France (dispositif soutien à la création), de l’ADAMI et de la SPEDIDAM (La SPEDIDAM est une société de perception et de distribution qui gère les droits des artistes interprètes en matière d’enregistrement, de diffusion et de réutilisation des prestations enregistrées).

Pourquoi la diversité de nos vies, de nos cultures, de nos convictions est-elle si souvent ressentie comme une menace pour notre pays ? Un soir de 2028, une citoyenne lambda, qui ne sait plus trop à quel saint se vouer, est accueillie par un étrange groupuscule de femmes réunies dans une quasi clandestinité autour de ces questions. Mais qui sont-elles ? Des activistes féministes ? Des croyantes exaltées ? Des laïques acharnées ? Ca parle vif, ça se dispute, ça rit beaucoup aussi, chacune revendiquant haut et fort sa propre liberté de conscience, son « hérésie », quitte se démarquer de l’opinion commune, quitte à être désignée à la vindicte nationale. Voire jetée aux lions… ou au bûcher ? Et si cette réunion était un sabbat de sorcières ?…

Texte Annie Ernaux (NIL éditions, Paris, 2011)
Version scénique : Cécile Backès, Margaux Eskenazi
Mise en scène : Cécile Backès
Jeu : Cécile Gérard
Assistanat à la mise en scène : Lola Naymark
Scénographie : Raymond Sarti
Dramaturgie : Guillaume Clayssen
Mouvement : Marie-Laure Caradec
Son : Juliette Galamez
Costumes : Camille Pénager
Régie générale : Julien Lamorille
Régie plateau : Marie-Laurence Fauconnier
Construction : Jean-Claude Czarnecka
Production : Comédie de Béthune CDN Hauts-de-France
Soutien Conseil Départemental du Pas-de-Calais, dans le cadre de la diffusion de
proximité et de Cultures de saison Résidence de création Ville de Lillers

La comédienne se déplace au plus près de nous. Au milieu de nous. À l’intérieur d’un espace peuplé de tables, de chaises et d’objets du quotidien : toutes sortes de boîtes, du linge de maison, quelques bougies…
La comédienne dit avec force et simplicité les mots d’Annie Ernaux, nous plonge dans l’histoire familiale de l’écrivaine qui, dans L’autre Fille, s’adresse à une sœur qu’elle n’a pas connue. Une sœur morte à l’âge de six ans, deux ans avant sa naissance, à qui elle écrit une lettre imaginaire. Entre paroles et silences, ce spectacle d’une grande sensibilité nous raconte l’intimité d’une existence. On est transporté par l’intensité concrète que font naître la voix et la présence de Cécile Gérard. Par la façon qu’elle a de nous parler, nous sourire, nous regarder droit dans les yeux. À travers ce théâtre de proximité, la metteure en scène Cécile Backès met en lumière la portée des non dits et le poids de l’absence. Elle nous entraîne dans une escapade théâtrale au cœur même de la vie.

Mise en scène : François Rancillac
Direction du mouvement : Charlotte Delaporte
Scénographie : Raymond Sarti,
Costumes : Sabine Siegwalt
Lumière : Marie-Christine Soma
Vidéo : Raymonde Couvreu
Assisté de Erwan Hugon.
Construction de la scénographie : Atelier de l’Opéra de Nantes.
Avec :
David Linx (Anibal de la Luna), Laïka Fatien (Celestina del Sol),
Yann-Gaël Poncet (Nelson de la Luna, librettiste)
Composition, direction, piano Laurent Cugny ,
Trompette, bugle Arno de Casanove,
Trombone Denis Leloup, Cor Éric Karcher,
Saxophones alto, soprano & baryton Pierre-Olivier Govin,
Saxophone ténor, clarinette & clarinette basse Thomas Savy,
Accordéon Laurent Derache,
Guitares Frédéric Favarel,
Contrebasse Joachim Govin
Batterie Frédéric Chapperon

En prologue, au son d’un chœur préenregistré, et sur écran, un lent travelling, depuis les espaces interstellaires jusqu’à Los Angeles, sous un déluge de fin du monde. Venant du côté cour, sur une plateforme lentement motorisée, une jeune femme fortement enceinte ; puis du côté jardin, tout aussi lentement, un jeune homme. Un dialogue parlé (on est dans la convention de l’opéra comique, même si l’œuvre n’a rien de tel) nous apprend qu’elle faisait de l’auto stop, sous ce déluge annonciateur du Big One, le tremblement de terre qui détruira La Mecque californienne. Elle est totalement perdue, égarée dans l’espace et le temps : il l’emmène chez lui.
L’écran s’efface, dévoilant le plateau : un appartement-ville, dont les meubles sont autant d’immeubles, à des échelles diverses, suggérant l’horizon d’une mégapole désenchantée. L’orchestre, disposé en « L », borne deux côtés de la scène, entourée de paravents translucides d’où émane finement la lumière qui cerne le décor.
Anibal de la Luna, bagagiste à l’aéroport, comprendra progressivement que sa mystérieuse invitée, Celestina del Sol, suspend l’envol du temps et perturbe les horloges. Un chassé croisé amoureux s’installe, où surgira bientôt Nelson de la Luna, frère militaire un brin caricatural.
L’aventure se poursuit au fil d’un temps fracassé qui aura le dernier mot : Celestina, dans l’apparence de sa jeunesse, au seuil de la ville reconstruite après le Big One, pousse un landau qui porte un nourrisson, fruit d’un gestation de plusieurs dizaines d’années, et rend visité à Anibal, désormais un vieillard ; il croit voir en elle la nouvelle infirmière et peine à la reconnaître. Le temps diffracté aura eu le dernier mot, laissant derrière lui rêves, souvenirs et fantasmes confondus.
La musique est de jazz, assurément, dans toutes les variantes et nuances de l’idiome. L’orchestre est parfait, lisible et expressif, et les solistes peuvent improviser furtivement en contrechant des vocalistes.
Les voix sont prenantes, jouant à l’infini des couleurs de l’expression, mais sont parfois desservies par l’amplification qui altère les dynamiques (fragilité des seuils de déclenchement des compresseurs-limiteurs?).
Qu’importe, l’émotion est là, durable, parcourant le territoire sensible qui va de la scène à la salle.
David Linx et Laïka Fatien sont au delà de tout éloge, et Yann-Gaël Poncet (également librettiste inspiré) est à son mieux, plus convaincant que lors des versions de concert de 2006 et 2007, et même que sur l’enregistrement réalisé deux ans plus tard(Signature – Radio France/Harmonia Mundi, Grand prix de l’Académie du jazz 2010). Laurent Cugny a conçu un certain nombre de thèmes, récurrents et constamment métamorphosés par l’orchestration et les rythmes. On n’est pas ici dans l’univers du leitmotiv wagnérien, attaché à tel personnage ou telle action. Le déroulement est fluide, et pourtant l’intensité dramatique est au rendez-vous, magnifiquement étayée par les attributs opératiques (mise en scène, décor, vidéo, lumière….), jamais redondants, toujours pertinents, ouvrant fort les vannes de l’émoi et de l’intellection.
Bref c’est l’avènement, dans sa version opératique, d’une œuvre (librement adaptée d’une pièce de José Rivera) qui fait honneur à l’ambition du genre : un spectacle total, offert à tous les sens, sensation et signification confondues.
On attend que les grands scènes culturelles, et les maison d’opéra, accueillent ce beau projet abouti, comme vient de le faire Angers Nantes Opéra. Il y fallut le concours, et l’obstination, depuis l’origine du projet à l’orée des années 2000, d’une foule d’acteurs : le festival « Jazz à Vienne », la Comédie de Saint-Etienne, la Fondation BNP Paribas…. et de beaucoup d’autres ! Reste à conquérir l’Opéra Comique (car l’œuvre souscrit aux canons de son répertoire), et pourquoi pas, le Palais Garnier : on peut rêver ; d’ailleurs rêver est indispensable en ces temps de disette budgétaire pour prendre d’assaut la Bastille, à défaut d’opéra du même nom….

Mise en scène : François Rancillac
Dramaturgie : Frédéric Révérend
Scénographie : Raymond Sarti
Costumes : Sabine Siegwalt
Lumière : Marie Christine Soma
Maquillages : Catherine Saint Sauveur
Régie générale : Marie Agnès D’anselme

Avec :
Linda Chaïb : Phylis
Christophe Laparra : Alidor
Antoine Sastre : Polymas, Lysis
Nicolas Senty : Dorastre
Assane Timbo : Cléandre
Hélène Viviès : Angélique

Production : Théâtre de l’Aquarium/ Le théâtre de Dijon Bourgogne/ CDN Moulin du Roc,
Niort/ La comédie de Caen/ Fontenay en scènes. Avec l’aide à la production d’Arcadi Ile de France.

Le beau, riche, noble Alidor aime passionnément la belle, riche et noble Angélique qui l’adore en retour ; donc tout va pour le mieux. Sauf que… Sauf qu’Alidor est au bord de l’implosion ; s’il ne veut pas se perdre dans son amour, s’il veut demeurer maitre de lui même,libre et souverain, il doit quoi qu’il lui en coûte, se séparer de sa belle !…
Le théâtre de Corneille, nourri d’épopées chevaleresques, de romans espagnols, de drames latins, est tout autant un théâtre de pensée, une incessante interrogation sur la liberté et la maitrise de soi, qu’un théâtre de situations poussées à l’extrême, de retournements imprévisibles, où la sensualité est omniprésente, où l’on aime à en mourir, où l’on pleure, où l’on se fait mal, où l’on est prêt à tout pour se sauver. Un théâtre où l’intime et le politique s’expriment d’un même élan et surtout de la manière la moins convenue qui soit.
François Rancillac.

Mise en scène : Jean-Charles Mouveaux
Assistante : Esther Ebbo
Avec : Vanessa Cailhol, Philippe Calvario, Jil Caplan, Jean-Charles Mouveaux,
Chantal Trichet
Scénographie : Raymond Sarti
Costumes : Michel Dussarrat
Lumières : Ivan Morane
Produit par Bernard Serf
Production : LEDN-l’Equipe de nuit
Coproduction Comme en 14

Une si longue absence…
Dans sa langue si particulière, sa musicalité qui envoûte, Jean Luc Lagarce
nous invite aux retrouvailles de Louis avec sa famille. Un récit sur la difficulté de
communiquer, une palette de personnages blessés, humains, follement attachants (…) Louis est à la fois le fils et le narrateur, proche et lointain, il porte cette tentative de réconciliation qui nous bouscule, nous bouleverse, qui nous renvoie à nos propres fêlures, nos attentes secrètes. La langue de Lagarce est répétitive, lancinante, fascinante. Il faut se laisser porter sur la crête de cette partition magnifiquement interprétée par des acteurs en état de grâce.

Mise en scène : Olivier Tchang Tchong
Auteur et metteur en scène : Olivier Tchang Tchong
Assistant à la mise en scène : Constant Vandercam
Avec : Marie Cariés, Sofia Hisborn, Fabien Orcier,
Maeva Clamaron, Stéphane Auvray Nauroy, Olivier Tchang Tchong
Scénographie : Raymond Sarti
Lumières : Michel Gueldry
Costumes : Sophie Welsh
Régie générale: Hervé Chantepie
Production : Queen’s PigCoproduction : Nouveau Relax – scène conventionnée de Chaumont, CCAM –
Scène Nationale de Vandoeuvre lès Nancy.
Avec le soutien de la région Champagne Ardenne, du conseil général de la Haute Marne, et de la Spedidam

(…) Cassandre / L’amour caresse les pendus est un triptyque, qui s’inspire de la figure antique de Cassandre.
C’est une traversée du mythe, depuis la naissance de Cassandre, jusqu’à l’inéluctable déclin qui doit la conduire
à son exécution.
…/…
Cassandre/ L’Amour caresse les pendus c’est tout cela : un endroit où l’espoir couche avec de lourds chagrins,
un temple où le sacré épouse le profane, un
music-hall où l’on chante et danse avec les pieds tâchés de sang.
…/…
Alors Cassandre / L’amour caresse les pendus abrite une langue lyrique et crue, car j’ai eu besoin de coucher
dans la bouche de mes personnages la grâce et l’injure, pour que cette histoire nous pénètre tant à l’endroit du
conte que du fait divers. J’ai eu envie et besoin de raconter cette histoire avec cérémonie, parce que ces figures
nous ressemblent, me ressemblent, et que leur disparition me touche infiniment.
Cassandre / L’amour caresse les pendus est composé de Cassandre et Apollon / Cassandre et Ajax / Cassandre
et Agamemnon, qui réunis feront un spectacle total.
Ces trois parties seront jouées successivement, et dans cet ordre. Six acteurs se partageront les rôles pour
chacune des parties et en changeront selon la pièce. Seule l’actrice qui interprétera Cassandre traversera
l’intégralité de l’œuvre.

Mise en scène : Alain Mollot.
Assistante Cécile : Métrich
Scénographie : Raymond Sarti
Lumière : Philippe  Lacombe.
Création costumes : Nadia Léon
Musique : Gilles Siviletto
Régie générale Frédéric Ruiz
Construction Atelier La Manufacture
Avec :
Yolla Buszko, Philippe Millat Carus, Bruno Paviot, François Roy, Pierre Trapet.
Production Collectif La Jacquerie
Co production Théatre Romain Rolland
Soutiens
La compagnie est soutenue par le Ministère de la Culture/DRAC Ile-de-France, le Conseil Général du Val-dearne, la municipalité de Villejuif. Ce projet a reçu l’aide à la création du Conseil Général du Val-de-Marne.

Sergueï éprouve un irrépressible besoin de partir : tout abandonner, renoncer à sa vie actuelle en apparence confortable, mais à laquelle il ne parvient plus à donner un sens. Partir où ? On ne sait pas, lui même l’ignore : une autre ville, un autre pays, un autre monde ? Il tente de l’expliquer à son entourage, incrédule. Dans cette tragi-comédie, Alain Mollot nous fait découvrir un passionnant auteur contemporain souvent qualifié de « Woody Allen moscovite «, dans une mise en scène où se mêlent le mystère, la poésie, la drôlerie et l’absurde.

Mise en scène : François Rancillac.
Assistante : Lucile Perrain.
Scénographie : Raymond Sarti
Costumes : Cidalia Da Costa
Son : Michel Maurer
Danse : Israël Sanchez Gonzalès
Lumière : Marie Christine Soma
Régie générale : Pierre Godefroy
avec :
Patrick Azam, le Père / Anthony Breurec, Perpignan / Antoine Caubet, le Conducteur d’engin / Riad Gahmi,
Marzeille / Pauline Laidet, la Fille / Françoise Lervy, Marie, la Femme du conducteur d’engin toute l’équipe de création : Laurent Grappe, régisseur plateau, régie lumière Manon Lauriol et Eric Marynower,
régie son Frédéric Schmitt / Réalisation machinerie Dominique Fortin, Pierre Godefroy, Tonio Rodriguez /
Peinture Francis Gingembre et Olivier Spinelli / Accessoires Vera Martins / Costumes réalisés avec Anne
Yermola / Habillage Anna Rizza / Matériau voix Isabelle Duthoit
La pièce a reçu le prix des Journées des auteurs de Lyon et l’Aide à la création dramatique du Ministère de la Culture (Centre National du Théâtre).
Équipe de création : Laurent Grappe, régisseur plateau, régie lumière Manon Lauriol et (à partir du 20 janvier) Eric Marynower, régie son Frédéric Schmitt / Réalisation machinerie Dominique Fortin, Pierre Godefroy, Tonio Rodriguez / Peinture Francis Gingembre et Olivier Spinelli / Accessoires Vera Martins / Costumes réalisés avec Anne Yermola / Habillage Anna Rizza / Matériau voix Isabelle Duthoit
Production Théâtre de l’Aquarium / Le Carré – Scène nationale de Château Gontier /
La Comédie de Caen – Centre dramatique national de Normandie / Le Fracas – Centre dramatique national de Montluçon – Région Auvergne. Avec l’aide à la production d’Arcadi. Avec l’Aide à la création dramatique du Centre National du Théâtre et l’aide à la création de la DGCA – Ministère de la Culture et de la Communication.

Quelque part, au bord d’une mer sans plage ni touriste… Marzeille et Perpignan (13 et 10 ans) découvrent ce matin-là que leur mère a encore crisé : grimpée au sommet du phare, elle chante à tue-tête sa douleur face à l’océan, ivre et dépoilée, zieutée d’en bas par tous les gars du village !… Comment sauver maman de la honte et de la folie ?!
Ainsi démarre pour les deux frérots une journée épique et héroïque, avec ange blond et Bon Dieu en personne, chiots à noyer et grenouille à percer, bulldozer et cerbère, rebondissements et révélations. Tissant avec virtuosité récit et théâtre, Gilles Granouillet réussit à nous (re)faire voir le monde à hauteur d’enfant, quand le merveilleux côtoie encore l’âpre réalité. Les péripéties totalement frappadingues de ces deux gamins pour recoller les morceaux d’une famille dessoudée, sont évidemment autant d’étapes d’un conte initiatique en filigrane : non pour devenir « grands » (tant les adultes appelés à la rescousse semblent ici désemparés…) ; mais pour comprendre que vivre, c’est d’abord apprendre à être seul.

Texte : Bertolt Brecht
Traduction : Michel Cadot
Mise en scène : Guy Pierre Couleau
Assistante à la mise en scène : Carolina Pecheny
Scénographie : Raymond Sarti
Lumières : Laurent Schneegans
Costumes : Sabine Siegwalt
 assistée d’Annamaria Rizza
Musique : Paul Dessau et Philippe Miller
Maquillage : Kuno Sclegelmilch
Direction de production : Nadja Leriche
Avec :
Pierre Alain Chapuis, Puntila
Luc Antoine Diquero, Matti
Sébastien Desjours, L’attaché, Le malingre
François Kergourlay, L’avocat, Un gros homme
Nolwenn Korbell, Emma la contrebandière
Pauline Ribat, La téléphoniste,
 Fina la femme de chambre
Rainer Sievert, Le maître d’hôtel, Le vétérinaire, Le Pasteur,
Surkkala, le rouge
Fanny Sintès, La pharmacienne, Laïna la cuisinière
Serge Tranvouez, Le juge
Jessica Vedel, L’ouvrier, La femme du pasteur
Clémentine Verdier, Eva Puntila
Production :
Comédie De L’Est – Centre dramatique national d’Alsace
Coproduction :
Théâtre Firmin Gémier / La Piscine – scènes Vosges / Epinal,
La Coupole à Saint-Louis, le Théâtre des Quartiers d’Ivry.
Avec la participation artistique du Jeune Théâtre National.

(…) A la lecture de Maître Puntila et son valet Matti, la première chose qui me parle est la question de la domination d’un homme par un autre homme. Puntila domine son valet Matti ainsi que toutes sortes de personnes qu’il va croiser et rencontrer au cours de son trajet à travers les villages finlandais.
A chaque occasion qui lui sera donnée, Puntila se comportera en maître, c’est-à-dire plus exactement en dominateur sur l’autre, face à lui. Non seulement il imposera une loi, un lien de domination vers son semblable, mais plus encore il cherchera sans vergogne à en tirer profit.
Puntila asservit à sa puissance quiconque se met en travers de son chemin, et ceci par tous les moyens : séduction, intimidation, violence ou apitoiement. Puntila est un despote peu éclairé et même assombri par les vapeurs de l’alcool.Cet homme-là “ne trouve rien ni de trop chaud ni de trop froid pour lui“, ainsi qu’aurait pu le dire Sganarelle en son temps vis-à-vis de Dom Juan.
Il y a en effet une figure inversée du couple Dom Juan-Sganarelle dans ce tandem Puntila-Matti et ce n’est certes pas le hasard qui fera écrire à Brecht une version de la pièce de Molière en 1953 : ce thème du maître et de son valet souffre-douleur, en référence à Diderot et son Jacques le fataliste, aura inspiré Brecht tout au long de sa vie. Cette attitude, ce comportement devenu une seconde nature ne s’invente pas seul : le contact de l’argent et d’une certaine forme de pouvoir matériel, fait de l’individu Puntila un être profondément dévoyé et qui dévoiera tous les rapports autour de lui. Rien de simple ne peut exister entre Puntila et les autres, rien de sain ne doit régir les rapports qu’il entretient ou qu’il crée avec ceux qui l’entourent, rien de clair non plus dans les intentions qui le conduiront à choisir de privilégier l’un ou de disgracier l‘autre. Puntila est complexe, mais il est sans doute la figure métaphorique d’une certaine face du monde selon Brecht.
Et cette métaphore nous dit bien à quel point il est impossible de nous cacher à nous-mêmes ce que nous sommes, dans nos volontés de puissance comme dans nos efforts de raison. Puntila et son valet Matti, autre face de lui-même, sont bien en effet les deux visages d’un même être intemporel et universel : l’homme dans sa duplicité, alternativement porté vers la douceur du partage généreux et altruiste ou bien aliéné d’un égoïsme profond, qui le rend dépendant de sa propre méchanceté. Puntila asservissant Matti à sa sombre volonté de puissance ne réussit en rien à régner sur un autre. Bien au contraire, il s’aliène à sa propre cruauté et ne se rend que dépendant de lui-même. (…)
GP Couleau.