Mise en scène : Alain Mollot.
Assistante Cécile : Métrich
Scénographie : Raymond Sarti
Lumière : Philippe  Lacombe.
Création costumes : Nadia Léon
Musique : Gilles Siviletto
Régie générale Frédéric Ruiz
Construction Atelier La Manufacture
Avec :
Yolla Buszko, Philippe Millat Carus, Bruno Paviot, François Roy, Pierre Trapet.
Production Collectif La Jacquerie
Co production Théatre Romain Rolland
Soutiens
La compagnie est soutenue par le Ministère de la Culture/DRAC Ile-de-France, le Conseil Général du Val-dearne, la municipalité de Villejuif. Ce projet a reçu l’aide à la création du Conseil Général du Val-de-Marne.

Sergueï éprouve un irrépressible besoin de partir : tout abandonner, renoncer à sa vie actuelle en apparence confortable, mais à laquelle il ne parvient plus à donner un sens. Partir où ? On ne sait pas, lui même l’ignore : une autre ville, un autre pays, un autre monde ? Il tente de l’expliquer à son entourage, incrédule. Dans cette tragi-comédie, Alain Mollot nous fait découvrir un passionnant auteur contemporain souvent qualifié de « Woody Allen moscovite «, dans une mise en scène où se mêlent le mystère, la poésie, la drôlerie et l’absurde.

Mise en scène : François Rancillac.
Assistante : Lucile Perrain.
Scénographie : Raymond Sarti
Costumes : Cidalia Da Costa
Son : Michel Maurer
Danse : Israël Sanchez Gonzalès
Lumière : Marie Christine Soma
Régie générale : Pierre Godefroy
avec :
Patrick Azam, le Père / Anthony Breurec, Perpignan / Antoine Caubet, le Conducteur d’engin / Riad Gahmi,
Marzeille / Pauline Laidet, la Fille / Françoise Lervy, Marie, la Femme du conducteur d’engin toute l’équipe de création : Laurent Grappe, régisseur plateau, régie lumière Manon Lauriol et Eric Marynower,
régie son Frédéric Schmitt / Réalisation machinerie Dominique Fortin, Pierre Godefroy, Tonio Rodriguez /
Peinture Francis Gingembre et Olivier Spinelli / Accessoires Vera Martins / Costumes réalisés avec Anne
Yermola / Habillage Anna Rizza / Matériau voix Isabelle Duthoit
La pièce a reçu le prix des Journées des auteurs de Lyon et l’Aide à la création dramatique du Ministère de la Culture (Centre National du Théâtre).
Équipe de création : Laurent Grappe, régisseur plateau, régie lumière Manon Lauriol et (à partir du 20 janvier) Eric Marynower, régie son Frédéric Schmitt / Réalisation machinerie Dominique Fortin, Pierre Godefroy, Tonio Rodriguez / Peinture Francis Gingembre et Olivier Spinelli / Accessoires Vera Martins / Costumes réalisés avec Anne Yermola / Habillage Anna Rizza / Matériau voix Isabelle Duthoit
Production Théâtre de l’Aquarium / Le Carré – Scène nationale de Château Gontier /
La Comédie de Caen – Centre dramatique national de Normandie / Le Fracas – Centre dramatique national de Montluçon – Région Auvergne. Avec l’aide à la production d’Arcadi. Avec l’Aide à la création dramatique du Centre National du Théâtre et l’aide à la création de la DGCA – Ministère de la Culture et de la Communication.

Quelque part, au bord d’une mer sans plage ni touriste… Marzeille et Perpignan (13 et 10 ans) découvrent ce matin-là que leur mère a encore crisé : grimpée au sommet du phare, elle chante à tue-tête sa douleur face à l’océan, ivre et dépoilée, zieutée d’en bas par tous les gars du village !… Comment sauver maman de la honte et de la folie ?!
Ainsi démarre pour les deux frérots une journée épique et héroïque, avec ange blond et Bon Dieu en personne, chiots à noyer et grenouille à percer, bulldozer et cerbère, rebondissements et révélations. Tissant avec virtuosité récit et théâtre, Gilles Granouillet réussit à nous (re)faire voir le monde à hauteur d’enfant, quand le merveilleux côtoie encore l’âpre réalité. Les péripéties totalement frappadingues de ces deux gamins pour recoller les morceaux d’une famille dessoudée, sont évidemment autant d’étapes d’un conte initiatique en filigrane : non pour devenir « grands » (tant les adultes appelés à la rescousse semblent ici désemparés…) ; mais pour comprendre que vivre, c’est d’abord apprendre à être seul.

Texte : Bertolt Brecht
Traduction : Michel Cadot
Mise en scène : Guy Pierre Couleau
Assistante à la mise en scène : Carolina Pecheny
Scénographie : Raymond Sarti
Lumières : Laurent Schneegans
Costumes : Sabine Siegwalt
 assistée d’Annamaria Rizza
Musique : Paul Dessau et Philippe Miller
Maquillage : Kuno Sclegelmilch
Direction de production : Nadja Leriche
Avec :
Pierre Alain Chapuis, Puntila
Luc Antoine Diquero, Matti
Sébastien Desjours, L’attaché, Le malingre
François Kergourlay, L’avocat, Un gros homme
Nolwenn Korbell, Emma la contrebandière
Pauline Ribat, La téléphoniste,
 Fina la femme de chambre
Rainer Sievert, Le maître d’hôtel, Le vétérinaire, Le Pasteur,
Surkkala, le rouge
Fanny Sintès, La pharmacienne, Laïna la cuisinière
Serge Tranvouez, Le juge
Jessica Vedel, L’ouvrier, La femme du pasteur
Clémentine Verdier, Eva Puntila
Production :
Comédie De L’Est – Centre dramatique national d’Alsace
Coproduction :
Théâtre Firmin Gémier / La Piscine – scènes Vosges / Epinal,
La Coupole à Saint-Louis, le Théâtre des Quartiers d’Ivry.
Avec la participation artistique du Jeune Théâtre National.

(…) A la lecture de Maître Puntila et son valet Matti, la première chose qui me parle est la question de la domination d’un homme par un autre homme. Puntila domine son valet Matti ainsi que toutes sortes de personnes qu’il va croiser et rencontrer au cours de son trajet à travers les villages finlandais.
A chaque occasion qui lui sera donnée, Puntila se comportera en maître, c’est-à-dire plus exactement en dominateur sur l’autre, face à lui. Non seulement il imposera une loi, un lien de domination vers son semblable, mais plus encore il cherchera sans vergogne à en tirer profit.
Puntila asservit à sa puissance quiconque se met en travers de son chemin, et ceci par tous les moyens : séduction, intimidation, violence ou apitoiement. Puntila est un despote peu éclairé et même assombri par les vapeurs de l’alcool.Cet homme-là “ne trouve rien ni de trop chaud ni de trop froid pour lui“, ainsi qu’aurait pu le dire Sganarelle en son temps vis-à-vis de Dom Juan.
Il y a en effet une figure inversée du couple Dom Juan-Sganarelle dans ce tandem Puntila-Matti et ce n’est certes pas le hasard qui fera écrire à Brecht une version de la pièce de Molière en 1953 : ce thème du maître et de son valet souffre-douleur, en référence à Diderot et son Jacques le fataliste, aura inspiré Brecht tout au long de sa vie. Cette attitude, ce comportement devenu une seconde nature ne s’invente pas seul : le contact de l’argent et d’une certaine forme de pouvoir matériel, fait de l’individu Puntila un être profondément dévoyé et qui dévoiera tous les rapports autour de lui. Rien de simple ne peut exister entre Puntila et les autres, rien de sain ne doit régir les rapports qu’il entretient ou qu’il crée avec ceux qui l’entourent, rien de clair non plus dans les intentions qui le conduiront à choisir de privilégier l’un ou de disgracier l‘autre. Puntila est complexe, mais il est sans doute la figure métaphorique d’une certaine face du monde selon Brecht.
Et cette métaphore nous dit bien à quel point il est impossible de nous cacher à nous-mêmes ce que nous sommes, dans nos volontés de puissance comme dans nos efforts de raison. Puntila et son valet Matti, autre face de lui-même, sont bien en effet les deux visages d’un même être intemporel et universel : l’homme dans sa duplicité, alternativement porté vers la douceur du partage généreux et altruiste ou bien aliéné d’un égoïsme profond, qui le rend dépendant de sa propre méchanceté. Puntila asservissant Matti à sa sombre volonté de puissance ne réussit en rien à régner sur un autre. Bien au contraire, il s’aliène à sa propre cruauté et ne se rend que dépendant de lui-même. (…)
GP Couleau.

Mise en scène : Guy-Pierre Couleau
Traduction : Dominique Hollier, Blandine Pélissier
Dramaturgie : Guillaume Clayssen
Scénographie : Raymond Sarti
Interprétation : Anne Le Guernec
Pascal Durozier, Philippe Mercier, Philippe Cousin
Costumes : Laurianne Scimemi
Lumières : Laurent Schneegans
Son : Grégoire Harrer
Vidéo : Grégoire Harrer
Collaboration artistique : Carolina Pecheny
Assistanat à la mise en scène : Carolina  Pecheny
Production : Comédie de l’Est (Colmar)

Zinnie Harris situe avant tout son théâtre dans une exploration de notre époque. C’est au moyen de la fable, en s’approchant du mythe grec, par l’allégorie, et l’évocation qu’elle nous entraîne dans une réflexion dépouillée de scories, une pensée épurée et un précis du
sens sur ce que nous sommes et ce que nous faisons.Loin du lyrisme, nourrie de la recherche formelle des écritures scéniques des années récentes, elle parvient à une synthèse dramatique étonnante, entre théâtre de recherche et lisibilité de la fable. Zinnie Harris écrit un théâtre populaire. Et parce qu’il s’agit d’un texte qui s’adresse à un très large auditoire, « Hiver » est une réflexion sur l’écriture théâtrale en même temps qu’une introspection douloureuse sur notre monde en lutte avec lui-même.
Comme beaucoup d’auteurs de l’après-guerre d’Irak et du 11 septembre, Zinnie Harris conjugue les mythes anciens pour écrire son époque.
Proche de Sophocle autant que de Bond, elle use du symbole pour écrire un théâtre à la fois politique et humain, dans un souci de grande clarté. Mais ce qui caractérise son texte, c’est l’accessibilité immédiate, une grande sobriété, une économie de moyens qui rend chaque réplique nécessaire, en une écriture ciselée.
Au final de la lecture de « Hiver », nous sommes face à une œuvre d’une permanente profondeur, d’une intense richesse de sens et d’une très grande concision.

D’après John Millington Synge.
Texte français : Françoise Morvan
Mise en scène : Guy Pierre Couleau
Collaboration artistique : Carolina Pecheny
Musique : Philippe Miller
Création costumes : Dominique Louis
Création lumières : Laurent Schneegans
Scénographie : Raymond Sarti
D’après John Millington Synge.
Avec : Xavier Chevreau, Flore Lefebvre des Noëttes, Carolina Pecheny, Pascal Durozier, Philippe Mercier, Anne Mauberret Molly, Jérémie Reecht
Production Comédie de l’Est Coproduction.
Théâtre Firmin Gémier/ La Piscine.

(..) Dans La Fontaine aux saints, deux aveugles recouvrent la vue grâce à une eau miraculeuse, avant de regretter amèrement leur cécité devant la violence et l’indifférence du monde. «Ces rôles présentent une grande difficulté de jeu, les questions sensorielles et physiques sont mises en avant, c’est un aspect du travail qui me passionne», explique le metteur en scène. Dans Les Noces du rétameur, la cupidité d’un prêtre est la cause des tourments d’une jeune Bohémienne. Une pièce noire, sur le ton de la comédie, qui évoque la difficulté à parler de sa propre voix. «La démarche ethnologique de Synge me fascine : il a observé la vie sauvage et reculée dans les îles irlandaises et s’est inspiré des récits recueillis auprès de ces gens pour inventer une autre façon d’écrire le théâtre, à partir d’une tradition orale empreinte de surnaturel», raconte Guy Pierre Couleau.
Un théâtre à la part d’ombre, qui a tout naturellement conduit le metteur en scène à intégrer dans sa création… du théâtre d’ombre. (…). GP Couleau.

D’après Marguerite Duras.
Mise en scène : Ahmed Madani
Création costumes : Laurence Bruley
Conception : Elizabeth Macocco
Conception : Ahmed Madani
Création lumières : Jean-Luc Robert
Scénographie : Raymond Sarti
Création son : Christophe Séchet
Pascale Barré (réalisation des costumes),
Sylvie Vanhelle (Maquillages et coiffures),
Michel Tartrat (Régie lumières),
Alain Lequesne (Régie son),
Patrick Delacroix (Direction technique)
Avec : Elizabeth Macocco, Laurent Manzoni, Nicolas Pignon
CDN de Normandie – Rouen, Madani Compagnie

Dans ce texte troublant, Marguerite Duras s’inspire d’un fait divers et explore les motivations d’une meurtrière. Les faits sont avérés et les aveux prononcés, Pierre et Claire Lannes, les deux protagonistes, consentent à se livrer.
La criminelle ne saurait expliquer son geste, l’interrogateur « cherche pour elle », l’accompagnant dans la recherche de ce qu’elle ignore d’elle-même.
Dans un implacable face à face, sorte de huis clos hors du temps et des logiques de l’enquête judiciaire, Marguerite Duras met en lumière les silences de Claire Lannes, et nous plonge dans l’abîme de notre matière humaine. Au contact direct des spectateurs, dans un espace clos qui évoque à la fois le parloir d’une prison, l’enceinte d’un tribunal, la cave du crime, l’hôpital psychiatrique, les acteurs profèrent les mots comme autant de coups de marteau à équarrir les bûches. Nul pathos, nulle flagornerie du jeu, nul effet de manche, mais simplement la force des mots et leur implacable déterminisme. A.M

Texte : Olivier Tchang Tchong.
Mise en scène : Olivier Tchang Tchong
Marie-France Thomas, Sylvain Urban et Louise, l’ânesse
Scénographie : Raymond Sarti
Costumes : Carole Gérard
Lumières : Michel Gueldry
Création des maquillages : Barbara Schneider
Assistanat à la scénographie : Kristelle Paré
Assistanat à la mise en scène : Floriane Soyer
Assistanat aux costumes : Valérie Simonneau
Construction/ Accessoires : Judith Dubois, Marie Meyer, Simon Chapuis, Nicolas Joubert
Direction technique : Christophe Coupeau
Régie générale : Stéphane Descombes, Hervé Chantepie
Stagiaire décors : Anouk Cazin, Charlotte Gauthier, Xavier Lemoine
Avec
Gérard Albouze, Nelly Angot, Juliette Baron, Sofia Hisborn
Christophe Dagonnet, Camille Ferrand, Philippe Le Gall, Christiane Lallemand, Manuel Lambinet, Jean Martin,
Fabien Orcier, Astrid Rothenflug

PEAU D’ÂNE : Bon ! Avant que tu me mènes sur les marches de ta folie, je veux te demander une dernière chose. Je voudrais que la robe qui me servira de tombeau soit le reflet de cette chose qui va mourir dans tes bras. Tout à l’heure, ce que tu vas dévorer, sera, je te le jure, aussi pur que l’eau qui jaillit de la terre. Bleue, parsemée de remous comme nuages dans le ciel, je veux une robe couleur du temps, pour que ce temps qui passe mesure combien j’ai dû grandir pour que tu désires mon ventre comme un ogre.
Invitons-le dans notre cortège, qu’il rougisse d’avoir fait de toi un boucher qui se prépare à fendre sa dernière bête.

Texte et mise en scène : Ahmed Madani
Scénographie : Raymond Sarti
Création sonore : Christophe Séchet
Création lumières et régie générale : Damien Klein
Création vidéo : Nicolas Clauss
Création costumes : Karen Serreau
Avec : Vincent Dedienne et Yves Graffey
L’auteur a bénéficié pour l’écriture de cette pièce du soutien du Centre National du Livre.
Texte édité par Actes Sud-Papiers (janvier 2014).
Production :
Madani Compagnie, conventionnée par le Ministère de la Culture et de la
Communication – DRAC Ile-de-France et la Région Ile-de-France
En Coproduction avec
Quai des Arts d’Argentan dans le cadre des Relais Culturels Régionaux,
Comédie de Picardie
Avec le soutien de la CCAS, de la Nacelle à Aubergenville, du Fonds SACD Théâtre, du Conseil
Général des Yvelines, de la Ville de Paris.
En Co réalisation avec le Théâtre de la Tempête

Après une dispute avec son père, Gus est envoyé chez son grand-père, Pierre, à Argentan, autant dire la cambrousse pour cet ado branché.
Chez Pierre, pas de télé, pas de connexion, pas de jeux vidéo… et en plus il faut se lever tôt et bosser au jardin si on veut manger. Pas la joie !
Mais Gus est coriace, il ne fera rien ! Ce qu’il ne sait pas c’est que Pierre est encore plus coriace que lui. Il se demande toutefois si on ne lui a pas envoyé Gus pour veiller sur lui, dont la mémoire flanche et ça ne lui plaît guère.
La rencontre entre ses deux personnages, tout d’abord explosive va progressivement se pacifier. L’incommunicabilité va laisser place à une complicité franche entre deux personnes au bord du gouffre, au crépuscule de deux âges et aux destinées bien différentes : une vie à construire pour Gus et une vie à raconter pour Pierre, avec notamment l’épisode douloureux de la Guerre d’Algérie qui a bien du mal à passer et qui devient l’élément central de la pièce…